Comment créer des prompts d'éclairage cinématographique avec l'IA

La lumière fait ou défait une image. En tournage, le chef opérateur choisit des sources, des angles, des diffus. En IA, c’est toi qui dois nommer cette lumière dans le prompt. Si tu écris « well lit » ou « beautiful lighting », le moteur invente. Si tu écris « key light from upper left, 45°, fill ratio 2:1, rim light on the shoulder », tu donnes une consigne lisible. Cet article pose le vocabulaire et les workflows pour des prompts d’éclairage vraiment cinématographiques — pour la pub, la série ou le film.

Pourquoi l’éclairage compte plus que le sujet

Une même scène en plein soleil à midi et au golden hour ne raconte pas la même histoire. L’IA ne devine pas ton intention. Elle assemble des motifs appris. Les mots « cinematic » ou « film look » aident un peu, mais restent vagues. Dès que tu précises direction, qualité (dure/douce), ratio et couleur de la lumière, les rendus deviennent cohérents avec un vrai langage de plateau. Penser en « source + direction + contraste » change tout. Pour aller plus loin sur l’ambiance globale d’un projet, l’ambiance visuelle type Lovecraft montre comment lier lumière et palette sur toute une direction artistique.

Vocabulaire que l’IA comprend

Direction. « Front light », « side light », « back light », « rim light », « top light », « underlight ». « Key light from camera left » — une source principale à gauche de la caméra. « Backlit » ou « contre-jour » : la source derrière le sujet, silhouette ou halo. « Rembrandt lighting » : triangle de lumière sur la joue opposée à la source. Ces termes sont reconnus par Midjourney, Flux, Stable Diffusion.

Qualité. « Hard light » / « soft light ». « Diffused », « through silk », « overcast ». « Single hard key » vs « soft key + soft fill ». La dureté définit l’émotion : drama vs douceur.

Ratio et nombre de sources. « High contrast », « low key » (peu de fill, ombres marquées), « high key » (lumière partout, peu d’ombres). « Three-point lighting » : key + fill + back/rim. « Single source », « practical light » (lampe dans le cadre), « window light ».

Couleur. « Warm key, cool fill » (classique cinéma). « Tungsten », « daylight », « golden hour », « blue hour », « neon accent », « sodium vapor ». « Teal and orange » : beaucoup de modèles connaissent cette palette pub/cinéma.

Style référent. « Roger Deakins », « Emmanuel Lubezki », « anamorphic lens flare », « volumetric light », « god rays ». Tu ne copies pas, tu donnes une référence de grammaire lumineuse.

Workflow en 4 étapes

Étape 1 : Définir la scène et l’émotion

Avant d’ouvrir le générateur, note : Quelle heure ? Quel lieu ? Quelle humeur ? Exemple : intérieur bureau, nuit, inquiétant. Donc : lumière artificielle, peu de sources, contrastes marqués, peut-être une fenêtre bleue en arrière-plan. Tu poses la règle. En structurant un prompt comme un directeur artistique, tu gardes cette cohérence du début à la fin.

Étape 2 : Écrire la lumière en une phrase technique

Une phrase type : « Key light from upper left, 45°, hard, warm tungsten ; fill from right, soft, 2:1 ratio ; rim light on the right shoulder, cool. » Tu peux la raccourcir pour le prompt : « hard key upper left, warm, soft fill right, 2:1, cool rim right shoulder ». En anglais, les moteurs répondent souvent mieux. Ajoute ensuite le contexte : « interior, office at night, no daylight ».

Étape 3 : Ajouter le style « cinéma »

Suffixe type : « cinematic stills, cinema photography, 35mm, natural film grain, anamorphic ». Ça ancre le rendu dans une grammaire de l’image film, pas dans un look « rendu 3D » ou « photo smartphone ». Pour des plans très atmosphériques, la volumétrie lumineuse (brume, rayons, dust) se décrit avec des termes comme « volumetric lighting », « light shafts », « dust in the air ».

Étape 4 : Itérer sur un seul paramètre

Si l’image est trop plate : ajoute « higher contrast » ou « single key, minimal fill ». Si c’est trop dur : « softer key », « more fill », « diffused ». Ne change qu’un élément à la fois pour comprendre l’impact. Les mot-clés magiques et le guide quand le prompt ne fonctionne pas t’aident à débloquer les cas difficiles.

Scénarios concrets

Scénario 1 — Packshot produit luxe. Client veut un flacon parfum, premium. Tu veux : une seule source douce, reflets contrôlés, fond sombre. Prompt type : « Perfume bottle on black surface, single soft key from top left, subtle rim light left edge, reflections controlled, cinematic stills, cinema photography, luxury advertising, 85mm, shallow DOF. » Pas de « beautiful » : tu décris la physique de la lumière.

Scénario 2 — Portrait série thriller. Visage moitié dans l’ombre, une fenêtre côté. « Man in profile, single hard key from frame left (window), no fill, Rembrandt shadow, blue hour through window, cinematic stills, 35mm, film grain. » Tu obtiens un rendu type « interrogation » ou « veille ».

Scénario 3 — Extérieur pub voiture, golden hour. « Car in desert road, golden hour, sun from behind camera right, long shadows, warm key, cool fill from sky, dust in air, volumetric, cinematic stills, anamorphic, advertising. » La direction et la couleur suffisent à donner l’heure et l’humeur.

Ce que les débutants se trompent

Trop vague. « Nice lighting », « professional », « movie style » — le moteur invente. Correction : Au moins une direction (key from where) et une qualité (hard/soft). Idéalement une couleur (warm/cool) et un ratio (high contrast / low key).

Trop de sources contradictoires. « Golden hour and neon and tungsten » — tout se mélange. Correction : Une dominante. Une ou deux sources max pour commencer. Ajoute des accents (neon, practical) seulement si tu les places clairement (e.g. « neon sign in background, no key »).

Oublier le fond. Un sujet bien éclairé sur un fond plat ou incohérent tue l’illusion. Correction : Décris la lumière sur l’environnement aussi : « backlit window », « dark background », « same key light on the wall ».

Négliger la cohérence entre images. Pour une série (moodboard, storyboard), chaque image doit partager les mêmes termes d’éclairage. Sinon chaque plan a « son » soleil. Correction : Copie-colle la phrase lumière dans tous les prompts, ou utilise une style reference à partir d’une image déjà validée.

La lumière en IA, c’est du texte. Plus tu parles comme un chef opérateur, plus le rendu ressemble à une vraie décision de tournage.

Tableau récap : termes à combiner

Foire aux questions (FAQ)

Dois-je écrire en anglais ou en français ? Pour Midjourney, Flux, Stable Diffusion : anglais donne en général de meilleurs résultats. Les datasets sont majoritairement en anglais. Garde le français pour tes notes et briefs ; le prompt final, en anglais.

Combien de paramètres lumière dans un seul prompt ? Pour une image : key + qualité + (optionnel) fill ou rim + couleur. Au-delà de 4–5 indications, le moteur peut tout mélanger. Reste lisible.

Comment garder la même lumière sur 10 images ? Réutilise la même phrase lumière dans chaque prompt. Utilise aussi --sref (Midjourney) ou image reference pour lier l’esthétique. Voir Midjourney V8 et cohérence et visuels publicitaires cohérents.

Volumetric lighting ne donne rien. Essaie « light shafts », « dust particles in light », « god rays », « window light with visible beams ». Certains modèles répondent mieux à l’un qu’à l’autre.

Mon image est trop sombre / trop claire. Ajuste en prompt : « brighter fill », « lift shadows », ou « darker », « crush blacks ». En post, tu peux aussi corriger ; mais une bonne base en prompt réduit le travail.

Références à des chefs opérateurs (Deakins, etc.) : ça marche ? Oui, comme style global. Ne t’attends pas à une copie exacte. Utilise en complément de termes techniques (key, rim, ratio) pour éviter le flou.